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 17/11/26
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Chat Pile - Who Loves the Sun
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19/09/2026
( 1238 letture )
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Partiamo da una spiegazione fondamentale.
Una chat pile è una gigantesca montagna di materiale di scarto prodotto dall’attività mineraria: una massa di rifiuti tossici che rimane lì, visibile, anche quando l’industria che l’ha prodotta è ormai scomparsa.
Perché la realtà è così, soprattutto l’America, che produce qualcosa, lo consuma e lo abbandona, lasciando il suo cadavere in un qualsiasi paesaggio che fa credere incontaminato. In questo scenario, Oklahoma è fondamentale.
Oklahoma City, 2019
Tutto ha inizio nel 2019, quando giornate lunghe e noise caratterizzano la vita di quattro amici che hanno una sola comune passione a unirli: l’amore per la musica.
Proprio quell’amore li spinge a creare una sorta di valvola di sfogo alla frustrante quotidianità. I quattro creano una band, provano, sperimentano e si divertono.
Quella sorta di gioco ben presto li catapulta nell’underground cittadino, facendogli acquistare sempre più credibilità, tanto da farli divenire in breve tempo una delle realtà più interessanti del noise/sludge americano contemporaneo. I Chat Pile, così si fanno chiamare, sono una band formata da Raygun Busch alla voce, Luther Manhole alla chitarra, Stin al basso e Cap’n Ron alla batteria.
Facciamo un piccolo passo indietro.
Perché Oklahoma è fondamentale? Perché la città, con il passare del tempo, non rappresenta più soltanto il luogo dove i quattro amici si sono conosciuti e formati, ma diventa un vero e proprio personaggio della loro musica, un po’ come una musa ispiratrice. Le periferie, l’industria, la povertà, l’isolamento, le chiese gigantesche, gli immensi centri commerciali, le autostrade, il lavoro precario e soprattutto una certa sensazione di essere lontani dal centro del mondo.
Bisogna chiarire sin da subito che i Chat Pile non sono una semplice band sludge metal, ma nel loro DNA raccolgono noise rock, industrial, post-hardcore, punk e post-punk, alternative rock e infine metal. Le loro basi solide sono gruppi quali Big Black, The Jesus Lizard, Scratch Acid, Godflesh, ma anche certo alternative rock degli anni ’90 e, progressivamente, new wave e indie rock.
Ma ciò che li rende unici è come usano questi generi. La band non cerca il classico riff “figo” nel senso tradizionale, ma un suono che deve trasmetterti oppressione, rabbia, nausea, alienazione, paranoia e un senso di disperazione. A sorvolare su tutto questo arriva la voce di Raygun Busch che, oltre a essere uno degli elementi più riconoscibili della band, ha la capacità di interpretare una persona che sta vivendo un collasso mentale. Raygun ha una capacità unica di passare dal parlato quasi casuale a un urlo animalesco nel giro di pochi secondi.
GOD’S COUNTRY
Prima del primo LP arrivarono gli EP Remove Your Skin Please (2019) e This Dungeon Earth (2019). Poi, nel 2022, arriva God’s Country.
Ed è l’esplosione.
Il disco prende il lato più marcio dell’America e lo mette sotto una lente d’ingrandimento. Non parla dell’America astratta o del falso mito, ma di droga, senzatetto, violenza, povertà, morte e religione, per poi finire nel degrado industriale.
Tutti i brani sembrano piccoli racconti horror ambientati nel mondo reale. Musicalmente è devastante: il basso è enorme, accompagnato dalle chitarre, e la batteria è pesante, quasi industriale. La voce di Busch è completamente fuori controllo.
Sembra di essere intrappolati dentro ai martellanti riff.
Fu così che God’s Country divenne rapidamente uno dei dischi simbolo della scena underground americana degli anni ’20.
DALLA CITTÀ AL MONDO
Nel 2024 arriva Cool World.
E qui succede una cosa importante.
Se prima era l’America a essere marcia, con il nuovo album diventa: “No. Il problema non è soltanto qui. Il mondo intero funziona così.”
Le tematiche, di conseguenza, si allargano e si concentrano su guerra, imperialismo, povertà, violenza globale, consumo, indifferenza e spettacolarizzazione della sofferenza.
Anche musicalmente c’è una svolta, in quanto si entra maggiormente in un gothic rock dal sapore new wave e alternative rock anni ’90, con melodie più riconoscibili, rappresentando involontariamente il passaggio fondamentale verso Who Loves the Sun.
2026
Who Loves the Sun non può essere etichettato semplicemente come “un altro disco dei Chat Pile”, in quanto probabilmente è il punto in cui la band prende tutto ciò che aveva costruito in precedenza, riuscendo a portarlo verso una forma più melodica, più varia e, in certi momenti, persino bella, senza però diventare più ottimista.
Anzi, il contrasto fra musica più accessibile e contenuti sempre più apocalittici è una delle chiavi di questo disco.
Il titolo è già bellissimo.
Who Loves the Sun è un riferimento alla canzone omonima dei Velvet Underground. Ma nei Chat Pile il sole non rappresenta semplicemente qualcosa di positivo.
Il sole continua a sorgere.
La vita continua.
Le persone vanno al lavoro.
Le città continuano a funzionare.
Il capitalismo continua.
La gente continua a subire.
E contemporaneamente il mondo si sta disfacendo.
Il disco descrive perfettamente una riflessione sull’apatia collettiva del XXI secolo, caratterizzato dal cambiamento climatico e dalla tecnologia aggressiva, dall’utilizzo sfrenato dell’AI fino all’accentuarsi della disuguaglianza, che porta a genocidi per raggiungere un potere economico ancora più grande nelle mani di pochi pazzoidi capaci di governare schiacciando una società che sembra diventata incapace di reagire.
La copertina di Who Loves the Sun rende perfettamente questa idea. Da una parte c’è la gigantesca Devon Tower, simbolo del potere economico di Oklahoma City; sotto, degrado, una struttura bruciata, la marginalità: in pratica, il riassunto perfetto dell’intero album rinchiuso in una fotografia. Il capitalismo può costruire un grattacielo mentre qualcuno dorme davanti alle sue rovine.
L’album è caratterizzato da musica più piacevole, ma ciò che racconta diventa più terribile, rendendo quest’album molto inquietante.
Parte una batteria nervosa e un riff che sembra procedere come una macchina difettosa. La voce di Busch inizialmente è quasi trattenuta. Ma poi il pezzo esplode.
Si inizia con Creature ed è già un manifesto del disco. Riflette l’immagine di creature condotte al macello e città sommerse, mentre il testo evoca acqua, cenere, polvere e un mondo completamente devastato.
È il cambiamento climatico. Noi sappiamo tutto, potremmo intervenire e invece continuiamo comunque.
Ed è proprio questo il punto più terribile.
Non siamo vittime innocenti dell’apocalisse, ma siamo partecipanti. Il messaggio che si vuole trasmettere ha il sapore dell’accusa:
TU SAI.
Allora perché continui a vivere normalmente?
Con un senso di colpa che ci attraversa già dalle prime battute, proseguiamo catturati dalla bellezza melodica di Deep Blue.
Questo è uno dei pezzi più importanti dell’intero lotto. Il Deep Blue è inteso come mare, ma anche come schermo. L’atmosfera si tinge di un alternative rock/classic rock deformato, con riff molto più aperti, dove la voce di Busch non è costantemente urlata.
Il testo descrive una persona che continua a sprofondare dentro gli schermi mentre il mondo fisico intorno a lei si deteriora.
Immagina: tu sei davanti al telefono.
Stai guardando il mondo.
Guerra.
Incendi.
Morte.
Crisi climatica.
Disastri.
Politica.
E dopo tre secondi passi al video successivo.
Il dolore diventa un semplice contenuto.
La realtà? Non siamo diventati più cattivi, ma siamo abituati all’indifferenza e alla sofferenza.
Con Same Rules ci troviamo spiazzati. Il ritmo ha un andamento trip-hop, con basso e batteria molto più contenuti e un’atmosfera scura, quasi notturna. È la prima significativa deviazione del disco. Sembra quasi che arrivi da un’altra band. È una canzone ipnotica.
Il significato, altrettanto forte, vuol spiegare come, nonostante tutte le trasformazioni tecnologiche e sociali, continuiamo a vivere secondo le stesse regole. Possono cambiare telefoni o città intere, ma il potere, il denaro, le gerarchie e lo sfruttamento rimangono costanti.
È come se la modernità fosse soltanto una nuova interfaccia grafica installata sopra un sistema vecchissimo.
La sensazione, alla fine, è stranissima: stiamo guardando il futuro, accorgendoci che in effetti è ancora il passato.
Arriviamo così al mostro del disco.
PEN I S MALL è la canzone non solo più pesante dell’intero album, ma forse la più dura che abbiamo mai ascoltato dai Chat Pile.
Il titolo proviene da un’insegna vandalizzata nei tunnel di manutenzione del Penn Square Mall di Oklahoma City. Ma il vero punto di partenza è l’esperienza di Raygun Busch lavorando come manutentore in un centro commerciale.
Musicalmente cruda, la band decide di sterzare e tornare completamente alle proprie origini, con riff giganteschi conditi da sludge e hardcore e dosi massicce di batteria martellante, riuscendo a trasmettere stanchezza, rabbia e perfino umiliazione.
C’è un filo sottile e diretto con il significato moderno di lavoro, inteso come forma di alienazione per eccellenza, dove regna sovrano il concetto del “devi farlo perché altrimenti non mangi”.
Il protagonista viene sottoposto a una cultura della mascolinità tossica in cui devi dimostrare di essere duro, non lamentarti, non bere acqua, non proteggerti abbastanza, continuare.
È una delle canzoni più politiche del disco, ed è anche una delle più personali.
Alla quinta traccia troviamo la seconda deviazione significativa dell’album. In Shrine la band cambia nuovamente pelle e veste i panni di un post-punk, mettendo al centro di tutto un basso dal suono enorme.
Questo è uno degli esempi migliori della nuova direzione intrapresa dai Chat Pile.
Lo “shrine”, il santuario, è il luogo dove conserviamo qualcosa che consideriamo sacro. Ma cosa è diventato sacro nel mondo moderno?
Il lavoro?
Il denaro?
La produttività?
Il successo?
L’immagine?
A cosa stiamo costruendo altari?
E la risposta non è rassicurante.
Con Intruder siamo dinnanzi a una canzone rock “normale”, con groove accessibile e riff quasi catchy, finché non ci rendiamo conto di cosa effettivamente racconta.
Il protagonista immagina un intruso che entra in casa mentre qualcuno dorme. Improvvisamente un suono di chitarra straniante. Improvvisamente entrano in campo voci femminili: Claire Hannah e Brittany Sawtelle dei Nightosphere, che partecipano anche a Influence.
Questa scelta rende il pezzo quasi seducente, ma è proprio qui che risiede l’orrore.
La canzone usa una situazione domestica apparentemente semplice per parlare della violenza sistemica. La casa, che dovrebbe essere il posto sicuro, non lo è più.
E quindi il mondo esterno è entrato dentro di te.
Lasciandoci alle spalle la quasi normalità, ci addentriamo in Christabel ’26, la grande canzone doom del disco.
Se si ama il lato più lento, pesante e apocalittico, questa è una canzone fondamentale. Il riff procede lento, la batteria è pesante, la voce di Busch sembra provenire da un luogo completamente devastato.
È una canzone sul potere e sul sacrificio umano. L’immagine è quasi religiosa: il sangue, Dio, la famiglia e il sacrificio perenne.
Ma invece di trovare redenzione, troviamo sfruttamento.
La religione diventa quasi il linguaggio attraverso cui descrivere un sistema che pretende tutto da noi e rappresenta il lato più biblico/apocalittico dei Chat Pile.
Riff aggressivi e ritmo più veloce presentano l’ottava traccia del disco, che ha un testo fondamentale per capire l’intero album.
Influence parla della desensibilizzazione e del modo in cui possiamo scorrere oltre una tragedia senza fermarci.
La domanda è: chi influenza ciò che pensiamo?
Siamo schiavi del brutalismo rappresentato dall’industria dell’attenzione.
La penultima traccia riceve la medaglia al merito per essere il pezzo più inquietante dell’album.
In Family Funeral, i Chat Pile tornano prepotentemente nel territorio dell’orrore puro. La struttura è completamente irregolare, non segue una normale forma strofa-ritornello. All’interno si possono trovare vuoti, rumori, continui cambi di direzione conditi da riff dissonanti e urla improvvise.
Il testo, qui, è ancora più inquietante.
Il tutto viene raccontato come una tragedia familiare. L’amore caratterizzato dall’abbandono, i figli come oggetti di tradimento, la vendetta come presupposto per la morte.
Il narratore parla come qualcuno che ha perso completamente il contatto con la normalità. La band non vuole dirci semplicemente “questa persona è un mostro”, ma ti costringe con forza a entrare nella sua testa.
E per qualche minuto siamo costretti ad ascoltare il mondo dal suo punto di vista.
E poi succede qualcosa di straordinario.
Dopo nove canzoni di rumore, rabbia, morte, capitalismo e apocalisse arriva una canzone quasi fragile.
È il pezzo più corto del disco, e musicalmente è molto più vicino al folk/indie acustico.
October All the Time è il sole che continuerà a brillare, ma non è necessariamente una frase felice, anzi è quasi terrificante.
Perché dopo tutto quello che abbiamo ascoltato…
il sole continua davvero a splendere.
Il mondo può essere distrutto.
Le persone possono morire.
Le città possono essere sommerse.
La società può collassare.
E il sole:
continua.
È indifferente.
La natura non ha bisogno della nostra salvezza.
CONCLUSIONI
E quindi cosa significa davvero Who Loves the Sun? Cosa vuole dirci?
Il disco si può leggere attraverso tre livelli.
Primo livello: l’apocalisse.
Il mondo sta diventando più caldo, più povero, più violento e soprattutto più diseguale.
E noi lo sappiamo.
Secondo livello: l’apatia.
Questo è forse il tema più importante.
Non è: “Il mondo è cattivo”, ma “il mondo è talmente pieno di orrore che abbiamo imparato a conviverci”.
Terzo livello: la contraddizione.
Ed è qui che il titolo diventa geniale.
Who Loves the Sun?
Chi ama davvero il sole?
Il sole è bello.
Il sole rende possibile la vita.
Ma il sole illumina anche tutto quello che abbiamo fatto e, soprattutto, il sole continuerà a esistere anche se noi distruggiamo il pianeta.
L’orrore non ha più bisogno di urlare.
A volte può essere una canzone orecchiabile.
A volte può essere un telefono.
A volte un turno di lavoro.
A volte un centro commerciale.
A volte una pubblicità.
A volte una persona che guarda lo schermo mentre una città brucia.
Ed è probabilmente questo il vero significato di Who Loves the Sun.
Non è un album che dice che il mondo finirà.
Dice qualcosa di più inquietante: il mondo può stare finendo e noi possiamo continuare tranquillamente a vivere come se non stesse succedendo niente.
E quando arriva la fine in October All the Time, con quella relativa calma, il messaggio diventa quasi insopportabile:
il sole continuerà a splendere.
La domanda è soltanto:
noi, nel frattempo, cosa avremo fatto?
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5
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Mi è piaciuto! Richiamano le sonorità delle band noise storiche americane e in certi momenti mi ricordano gli Unsane, ma senza perdere di vista la loro personalità. I diversi registri della voce mi convincono tutti. Per me è promosso a pieni voti. |
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4
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Ho sentito il disco, e non è niente male, si sentono tantissimo le influenze degli anni 90 di vari gruppi, purtroppo per me la voce del cantante dopo un pò diventa fin troppo fastidiosa, anche se è la sua caratteristica e purtroppo questo inficia il riascolto del disco che altrimenti sarebbe nelle mie corde. Peccato. |
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3
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Band che non delude mai. Nei loro dischi precedenti eravamo abituati a continue variazioni e contrasti.
Who loves the sun appare come un disco più coeso, monolitico, ipnotico nel suo incedere. Anche se mi mancano un po\' le imprevedibilità del passato, un 85 ci sta. |
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2
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A me piace molto e loro sono bravissimi ma 90 anche no, voto troppo alto. 83 mi pare più adeguato |
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1
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Recensione che coglie le mille sfumature di quest\'album grandioso: una moderna e disperata invettiva contro la desolazione provocata dall\'uomo, fuori e dentro di sé. |
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INFORMAZIONI |
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Tracklist
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1. Creature
2. Deep Blue
3. Same Rules
4. PEN I S MALL
5. Shrine
6. Intruder
7. Christabel ’26
8. Influence
9. Family Funeral
10. October All the Time
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Line Up
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Raygun Busch (Voce)
Luther Manhole (Chitarra)
Stin (Basso)
Cap’n Ron (Batteria)
Musicisti Ospiti:
Claire Hannah (Voce nelle tracce 6, 8)
Brittany Sawtelle (Voce nelle tracce 6, 8)
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RECENSIONI |
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